Exposiciones futuras

Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) es hoy una de las artistas más relevantes en el ámbito de la reflexión en torno a la materialidad. Empezó a trabajar en los años noventa a partir de un conjunto de acciones con el que ponía de manifiesto un sentir crítico hacia los patrones normativos de la arquitectura y el urbanismo de nuestro tiempo. Los proyectos que ha venido realizando desde entonces, y por los que ha recibido un reconocimiento unánime, tienen una clara impronta minimalista, si bien subvierten muchos de los atributos del movimiento que modeló la estética y el arte de los años sesenta y setenta. El perfil de los proyectos de Lara Almarcegui es el de una imperturbable consciencia ante ciertos hábitos de la construcción y, por consiguiente, de los materiales utilizados para ello. Su trabajo pretende, en muchos casos, frenar, entorpecer o trabar determinados procesos constructivos a partir de acciones y gestos en apariencia mínimos, tal vez proclives a una repercusión solo relativa, pero indudablemente ricas en su significación. La exposición que, bajo el título “Gravas y arenas”, puede verse en los amplios espacios del Museo Patio Herreriano consta de dos proyectos realizados en Valladolid: por un lado, Almarcegui acude al material característico de la arquitectura histórica de la región, la piedra de Campaspero, con la que realizará una intervención específica. Por otro, presentará una guía de un descampado de las afueras de la ciudad, una gravera abandonada en el sur de la ciudad que ejemplifica muchos de los métodos y rutinas de la construcción en este contexto, un tipo de proyecto que la artista ha realizado en alrededor de una docena de espacios de todo el mundo. Además, la salas 1 y 2 acogerán un conjunto de trabajos realizados en diferentes momentos de la trayectoria de la artista que dan contexto a los nuevos proyectos y que permiten conocer, además, los orígenes conceptuales de la artista y sus preocupaciones estéticas.

Lara Almarcegui ha realizado proyectos en centros de arte, museos o bienales de todo el mundo. En 2013 representó a España en la Bienal de Venecia.   

La vivienda colectiva en los centros y ensanches de nuestras ciudades experimenta actualmente un cierto desajuste tipológico provocado por su falta de transformación y adaptación a los modos de vida contemporáneos. La arquitectura, desde su campo de acción, trata de resolver esta problemática desde diversos puntos de partida y con variados enfoques estratégicos.

El objetivo de la muestra es ofrecer una visión estratégica a través de acciones arquitectónicas locales sobre la intervención en el tejido doméstico construido. Estos proyectos se pondrán en relación con diversas teorías arquitectónicas sobre la vivienda colectiva, especialmente aquellas surgidas en el ocaso del movimiento moderno. Esto implica revalorizar y reinterpretar los conceptos de 'soporte' de N.J. Habraken y 'frame' de Bernard Leupen, que, conocedores de su validez, necesitan una relectura y una adaptación que facilite su aplicación a lo construido.

Esta exposición, organizada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Valladolid con la colaboración del Museo Patio Herreriano y la Escuela Técnica de Arquitectura de Valladolid, se enmarca en las actividades de celebración del Día Mundial de la Arquitectura 2024. La muestra incluirá una selección de proyectos arquitectónicos que investigan la temática de la transformación de la vivienda colectiva. La exposición se inaugurará, como es habitual, el primer lunes del mes de octubre.

La obra de Joan Hernández Pijuan es una de las más celebradas de cuantas han poblado el espacio de la pintura en la segunda mitad del siglo pasado, pero no han sido muchas las exposiciones institucionales de gran escala dedicadas al artista desde su muerte en 2005. Con arreglo a su presencia en la Asociación Colección Arte Contemporáneo, y desde nuestro firme compromiso de leer desde una perspectiva contemporánea las obras de sus artistas más emblemáticos, este proyecto nace con la voluntad de arrojar luz nueva sobre la obra del artista eludiendo la cronología como método, que ha sido la estrategia más frecuente a la hora de mostrar la obra del pintor en las muestras de carácter antológico de las que ha sido objeto.

La intención del Museo Patio Herreriano es la de mostrar a un Hernandez Pijuan desde una perspectiva diferente. Esta no es otra que la de abordar el sistema de signos y gestos que se instaló en su pintura desde finales de los años ochenta, ligado al enfático ejercicio de síntesis al que llevó su quehacer. La exposición seguirá, por tanto, un itinerario que revele la esencialidad a la que se abocó Pijuan en su pintura última, o, al menos, en el último tercio de su carrera.

Tendemos a asociar la pintura de Pijuan con una ambición por capturar la verdad vernácula. Férreamente arraigado a su tierra, el artista apeló a la cercanía del motivo para crear un idioma singular y prolijo, a pesar de las limitaciones a las que sometió a su propia pintura, erguida sobre un escueto repertorio de signos. En buena medida, la obra última de Pijuan se caracteriza por superficies cubiertas de densas capas de pintura a las que aplica incisiones de muy diversa índole. De aquí el título de este proyecto, la voz catalana “Llaurats”, que en castellano quiere decir “labrados”, y que no solo aparece reiteradamente en el elenco de títulos utilizado por el pintor sino que evoca la totalidad de un quehacer, una forma integral de abordar el hecho pictórico.

Comisariada por Nico Munuera, artista afincado en Valencia, y Javier Hontoria, Director del Museo Patio Herreriano, la exposición tiene como punto de partida la obra que Pijuan realizó sobre papel durante sus últimas dos décadas de vida. Entendido como un índice de lo que habrá de verse en los muros (está previsto un montaje singular de estos dibujos), el dibujo sobre papel reivindica el signo y emblema de su depurado proceso de síntesis.

Pensada de manera específica para la Sala 8 del Museo, la obra de Damaris Pan se reúne por vez primera en un contexto institucional con pinturas y trabajos tridimensionales realizados en los dos últimos años. Renovadora de no pocas opciones plásticas en los campos de la pintura y la escultura recientes, Damaris Pan ya formó parte de la exposición colectiva “Turno de Réplica. Construcción/Composición”, que tuvo lugar en la planta 2 del Museo entre 2021 y 2022 y en la que, precisamente, entraba en contacto con pintores y escultores de generaciones y contextos muy diversos. Tiene su pintura una cualidad ambivalente que le otorga un amplio elenco de singularidades. Por un lado, hay una tendencia inapelable a lo pictórico, a cuanto de masa y textura trae la pincelada consigo, y, por otro, su obra ofrece un universo ingente de opciones iconográficas en el ámbito de la representación, siempre expuesta a la mordaz temperatura de la que ha hecho una ineludible seña de identidad. Con rangos de color encendidos, las figuras se inscriben en amplios campos de color que, en ocasiones, no son sino fragmentos de otros objetos y cuerpos, pues lo antropomorfo tiende a estar en el centro de su ideario. Estas figuras irrumpen ahora aquí desde una materia que se despega de la bidimensionalidad de la pintura, constituyéndose en formas escultóricas exentas, fragmentarias e igualmente grotescas, tan absurdas como cómicas. Profesora de pintura en la Universidad del País Vasco, Damaris Pan ha realizado exposiciones individuales en espacios como Ana Más Projects (Barcelona), Galería Fermay (Palma de Mallorca), Halfhouse (Barcelona), Fundación Bilbao Arte (Bilbao), y colectivas en Azkuna Zentroa (Bilbao) o Caixaforum (Barcelona).

Rafael Santos Torroella no es una figura muy conocida para el gran público. Sí lo es su hermana, sobre todo en Valladolid, donde realizó, durante unos años a finales de los años veinte, casi todos sus mejores trabajos. Hablamos de Ángeles Santos, muy querida en nuestra ciudad y una de las artistas mujeres más valoradas de la vanguardia en nuestro país, autora del celebérrimo “Un mundo”, hoy en el Museo Reina Sofía, y de otras pinturas importantes como las que se encuentran en la Asociación Colección Arte Contemporáneo. Cuando la familia llegó a Valladolid, Rafael era un joven adolescente pero ya ávido de estímulos culturales. En Valladolid asistió al fulgurante ascenso de su hermana y aquí arrancó su enorme interés por el arte. Su carrera, por tanto, bien puede tener su piedra de toque en nuestra ciudad. Su trayectoria es la de un historiador de arte extraordinario y la de un no menos relevante agente cultural que fue testigo privilegiado del desarrollo de las vanguardias en España. Adquirió los fondos de la galería Dalmau, el marchante que con mayor afán quiso traer a España a los artistas más aclamados del escenario internacional, y en adelante continuaría ensanchando su colección con obras de muchos de los grandes artistas de la época, Miró, Dalí, Tàpies, Goeritz y también Ferrant. La razón de ser principal de nuestra voluntad de mostrar estos fondos del Ayuntamiento de Gerona es su afinidad con los de la Asociación Colección Arte Contemporáneo. Un ejemplo nítido es el siguiente: en 1918, Rafael Barradas pintó un soberbio cuadro con la ciudad de Barcelona como motivo, un gran ejemplo del periodo “vibracionista” del pintor uruguayo. Pues bien, en los fondos de Santos Torroella se encuentra un cuadro del mismo año que representa la Puerta de Atocha en Madrid, inscrito en esa misma práctica. Con esto queremos amplificar los ecos entre una y otra colección, la de Santos Torroella, prodedente del Ayuntamiento de Gerona, y la de la ACAC, que tiene muchos de sus mejores ejemplos de vanguardia en la exposición “Vanguardia y destino”, que permanecerá en cartel hasta finales de octubre.

Comisarios: Rosa Gutiérrez Herranz y Jaume Vidal Oliveras