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Horario: 7 de marzo y 29 de marzo a las 19 horas en el salón de actos del museo.
Manuel Saiz
Video Hacking, 1999, 5’.
Resume una intervención estética en la circulación de vídeos de alquiler. Como en un reportaje de investigación, el protagonista-terrorista explica la alteración del sentido de las imágenes en la película North by North-West (Alfred Hitchcock, 1959) en una escena en la que Cary Grant se encuentra en un bosque con Eva Marie Saint. El pirata, inspirándose en La carte blanche de Magritte, interpola digitalmente en la copia de alquiler imposibles troncos de árboles, creando una nueva dimensión para la imagen. Una vez fijada ésta, la película es devuelta al video-club para que socave convicciones en la pantalla doméstica de un cinéfilo.
Carles Congost
That’s my impression!, 2001, color, 7’30’’.
Una especie de falso documental televisivo haciendo un breve recorrido por algunas de las últimas producciones de Congost, que son comentadas por un crítico (el actor Manuel Dueso). En palabras del artista: : “he querido reflexionar sobre la dificultad de hablar sobre el propio trabajo y sobre la ambigüedad del término trayectoria. ¿Cómo hemos de referirnos a aquello que hemos creado? ¿Cuál es el lenguaje más idóneo para hablar de arte? ¿Hay realmente un registro específico para hacerlo? …
Tere Recarens
Terespain, 1999, color, 25’’.
Suponer que todo puede ser reversible, que cabe la posibilidad de invertir los códigos que rigen comportamientos en un lugar y momento dados, es práctica habitual de Recarens. Un ejemplo elocuente: Terespain, donde veinticinco segundos son suficiente para captar la señal de Tere. Una llamada de atención: a conversar con el espacio, a no dejar escapar el tiempo, a desenmascarar lo absurdo, a dejarse resbalar…. por las circunstancias, por lo imprevisto, súbitamente, desafiando toda rigidez que nos salga al paso.
Oriol Font
Superman Lives in Madrid, 2001, color, 3’20’’.
Empieza con la imagen nocturna de una metrópolis y delante de un rascacielos, una chica se precipita al vacío dejando detrás de sí la estela de su grito de terror. Hasta que en la lejanía no aparece la capa roja de Superman, es difícil entender que se trata de Lois Lane y que Font se ha apropiado de una de las secuencias más célebres del cine de Hollywood para hablar del tema que más le interesa: el amor. Un amor que trasciende la esfera de lo privado, convirtiéndose en un hecho público y político a través de la identificación del espectador con la historia.
Antonio Ortega
Determinación de personaje, 2000, color, 6’.
Aquí el artista se apropia, palabra por palabra, de un sketch de los humoristas madrileños Faemino y Cansado, cuya diferencia de estatura es evidente. Dos improvisados actores, el crítico de arte David G. Torres y el artista Oscar Abril Ascaso, interpretan cada uno el personaje. El ágil diálogo que mantienen ironiza sobre muchos de los aspectos que definen el trabajo en arte. Mediante esta sencilla transposición, Ortega hace referencia a los absurdos dogmas deterministas, tan extendidos actualmente, que pretenden presentarnos lo real como un escenario imposible de alterar.
Pilar Albarracín
Prohibido el cante, 2000, color, 6’20’’.
Esta performance es una de las series que pretende revisar y actualizar la imagen estereotipada de Andalucía y su cultura. Se trata de una acción que desafía la prohibición (cada vez más común) de cantar y expresarse en público. Aquí, la canción se transforma en grito, en expresión primaria, despojando la acción de todo ornamento y lenguaje para no presentar restricciones ni oposición, para concentrarse en la más pura transmisión del sentimiento: un lamento, un suspiro, un sollozo convertidos en sonidos de guerra.
Jon Mikel Euba
Pandamask 2, 2000, color, loop, 5’.
Euba vuelve al tema-situación de su obra anterior Pandamask 1, en la que varios jóvenes (el propio artista replicado) entran y salen de un coche Panda estacionado en un descampado. Imposible saber qué están haciendo. Hurgan en el coche, repiten una acción que deviene extraña e inquietante y nuestra percepción se dispone a lanzar interpretaciones posibles sin que cace ninguna segura. La banda sonora registra los ruidos ambientales y los provocados por las aperturas y cierres de las puertas, añadiendo más inquietud a esa realidad ficcionalizada en su estatuto más ambiguo.
Jordi Colomer
Pianito, 1999, color, loop, 3’.
Recreación irónica del paso del tiempo y de la fragilidad de las aspiraciones personales. Una acción aparentemente banal (el deambular de un actor por el espacio, sentándose ante un piano de cartón, interpretando fragmentos de El aprendiz de brujo de Paul Dukas, fumando un cigarrillo e intentando obsesiva e inútilmente sacar el polvo que se acumula sobre el piano) presenta ciertos desplazamientos o artificios que cuestionan la confianza en los mecanismos de la ficción y de la representación y en los códigos perceptivos asumidos.
Adriá Juliá
Urban cowboys. The Conference, 2000, color, 4’.
Sus trabajos suponen tanto un análisis exploratorio de la sintaxis narrativa propia del discurso visual del vídeo, como una reflexión abierta sobre los procesos de identidad o identificación personal, social o civil. Esta obra recoge una aparente reunión de ejecutivos de una gran empresa. El actor es el artista mismo, que se acompaña de otros actores profesionales en un simulacro convincente del mundo del trabajo. Julià sostiene, lúcidamente, que esos ejecutivos que creen posarse en la cima del mundo económico son, de algún modo, un equivalente a los chicos de las vacas, guardianes de un ganado que es propiedad de otro.
Jon Mikel Euba
Los ojos como una boca, 1997, color, 14’.
Relata una suerte de persecución azarosa desde un Panda a un camión de productos lácteos que circula por una autopista. Una serie de planos medios desde el asiento trasero, combinados con ligeros movimientos laterales y con aproximaciones al paisaje rural ploteado en la trasera del camión, parecen reiterar una pulsión/fruicción de lo percibido en ese recorrido que linda con el sinsentido. De nuevo el sonido de aceleración del coche alternado con silencios añade una inquietud y una tensión que persisten tras el fundido final en negro.
Sergio Prego
Home, 2001, color, 5’30’’..
Un artista interdisciplinar en cuyos vídeos encontramos una preocupación recurrente por el cuerpo como material escultórico. En Home, Prego utiliza un gran número de cámaras fotográficas que, activadas de manera simultánea, documentan las diferentes acciones del artista y las esculturas efímeras que van formando configuraciones inverosímiles. Crea un mundo personal donde sus preocupaciones escultóricas son filtradas por la nueva cultura popular: la música, el videoclip y la nueva imagen cinematográfica.
Sinopsis adaptadas de los textos del catálogo.
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